華閱文章網1.對攝影的認識
對攝影的認識
攝影起源于十九世紀三十年代末期，達蓋爾年青時是位藝術家，他約在三十五歲時設計出西洋鏡，用特殊的光效應展示全景畫。在從事這項工作的同時，他對一種不用畫筆和顏料自動再現世界的景色裝置──換句話說就是照相機──發生了興趣。也就是說，攝影是繪畫藝術發展到一定程度隨著科技的發展而出現的，但將近100年過去了，攝影并沒有替代繪畫，這也充分說明繪畫藝術是一種不可用任何形式所替代的，繪畫可以體現表達一個人內心的世界，而攝影卻受到了諸多條件的限制，無法更好的表達一個藝術家對世界的態度，但是攝影卻由于其簡單的操作性卻受到更多人們的喜愛。隨著科技的發展攝影機也由以前的CCD-M8到CCD-TR55、CCD-V30、CCD-V90、CCD-F300、CCD-TR555、DCP-PC3、直至如今的HDV1080I、HDR-FX1E發展之迅速讓人嘆而觀之，現在的數碼相機、單反基本可以滿足大部分人們的需求，再加上電腦軟件的不斷更新，PS技術的應用，到美顏的泛濫。 。
但是攝影就是攝影，他隨意在藝術的道路上從笨重到輕巧從大顆粒到數碼發生了重大進步，但他依然無法彌補對現實為依托的局限，而不能夠象繪畫一樣的天馬行空。所以我個人認為攝影有其自己獨到的藝術空間但他也只能滿足大部分非對藝術執著的人的滿足。而對于那些更喜歡繪畫的人來說只是快速取材的一個工具。
2.結合實際談談你對攝影的理解
一直以來，我都喜歡把自己滿意的照片發在別人的帖子里，因為我喜歡交流。從未主動申請過精華帖，來到S100FS已經快2年了，水平有限，也沒給論壇做太大的貢獻；然而，S100FS是我迄今為止用過的最順手的機器，超過了5D,D700。趁著此次版主換屆，同時為了慶賀好友魯漢的上任，寫下了這些年攝影的一些心得體會，希望能對大家攝影水平的提高能有所幫助。因某些內容可能不會被廣泛接受，故決定放棄申請精華。
攝影到底應該追求什么？
我的理解有四點
一、真實
攝影應該是為了盡可能捕捉真實的瞬間，這里的真實是廣義的；說得通俗點就是：看上去能夠讓人相信是真的。所以我不會去做一些風格很強烈的后期，我害怕會因此沖淡原片的真實感。相對于后期來說我更在乎前期，也就是快門按下之前的畫面感覺。這并不是說后期不重要，而是后期要讓人能夠感覺到真實。即使你的照片是合成的，也要合成得不露痕跡。
另一方面，攝影應該允許適當的瑕疵存在，如果一張照片處理后（比如很多人喜歡的HDR效果）讓人一眼看上去就很完美，就反而失去了真實感。很多時候，我寧愿失去高光或者暗部的細節，也不愿意為了準求完美的曝光而丟失了照片的真實感。所以很多人看了我的片子覺得我后期不行，于是今年夏天報考了高級平面設計師，居然通過了。當然，對工作其實并沒有太大幫助。
二、器材
“鏡頭后面的那顆頭最重要！”這種言論我很不屑，這完全不是一個攝影師應該擁有的態度；最簡單的例子，你用28MM焦段的鏡頭來打鳥無異于天方夜譚。
器材很重要，攝影師的感覺也很重要，然而最重要的是融合；我們應該追求什么樣的器材呢？我的答案是：選擇你感覺最舒服的那個。就像用手機、用電腦一樣，用熟練了自然會有感覺，什么樣的操作方式才是你最能接受的，你就選擇它。
三、高感和寬容度。
現在像素不流行了，取而代之的是高感和寬容度兩個參數，誰重要？都不重要，因為無法對畫面起決定性的作用。什么參數最重要？對焦能力——對焦的精度和速度最重要。不要理解錯，不是相機的對焦能力，而是相機在你手中的對焦能力。
四、好照片
以前我很在意色彩和構圖，現在不在意了，無意識的攝影往往是最好的。
在我看來，一副好的照片應當是有生命力的，這種生命力的理解因人而異；就像很多心理測試的那樣，一幅圖你看它是什么它就是什么。照片也是這樣，你看它有多好它就有多好，你看它有多壞它就有多壞，無論它到底是好是壞，只要能讓看照片的人有那么一瞬間的思考，那么你這次快門按的就算成功了。所以我從來不在照片中加任何說明文字，一幅有生命力的照片應當是與生俱來的，不需要任何說明，加了文字反而會局限人們對照片的想象和思考。
座空房子，當然現在已經不空了；卡片機記錄，黑白，未裁剪；很多和我同去的人拍到最后都不滿意，因為他們過分的追求色彩和構圖。而我只是隨手記錄了一張，僅拍了一張，現在看看還行。
論壇里很多高手都在討論后期，只有鼠標和橡宇簡單的提過前期的重要性，所以這里我也想重申下：前期的意義在于——它表達了你按下快門的那一瞬間感覺，而那正是一個攝影師的最重要的東西。
有句話一直很喜歡：把自己當成一位用影像說故事的人而不是單純的技術奴才。
3.如何讓理解攝影作品的"主題明確"
一幅照片的好與差，可以從以下幾個方面來欣賞：
第一，構圖要美，要新穎。一幅好的照片，首先吸引你目光的一定是它的構圖。好的構
圖不會沿襲別人的手法，應該是有個性的、獨特的。它所反映的主題應該突出，不呆板。
第二，對于彩色照片，應該色彩豐富、鮮艷、冷暖搭配得當；而黑白照片則應該對比明
顯、柔和。
第三，主題突出。
每一幅照片都有它的主題和主體，不是主體的部分都應該虛掉或暗淡下去。背景要干凈，不能喧賓奪主，避免包羅萬象，什么都照下來，結果什么都沒突出。
第四，要有時代感染力。一幅好的照片出現在你的面前，應該使你感到非常震撼。它不僅反映的畫面有時代氣息，而且很有獨特的個性。
第五，光源運用恰當。逆光、側光、順光、頂光、底光、自然光、反射光等光源，如果
運用得當，就能反映主體和整個畫面的內容。一幅好照片，運用逆光和側光的比較多。除非是紀實性的新聞片或藝術照片，順光是很難出好效果的。
第六，照片的層次要豐富、分明。前景、中景、遠景都要清晰明朗。
第七，關于廣告片，主題要突出，色彩要鮮明奪目。可以運用夸張、虛構等手法加強號
召力。簡單明了、幽默、含意豐富、大眾化、獨特、有個性，這些都是廣告片的要素。
第八，要處理好照片的特殊效果。如黑白效果、油畫效果、水彩畫效果、版畫效果、雕
塑效果、條紋效果、水紋效果等等。這樣，照片就有了特殊的美術效果。
4.請敘述一下你對人像攝影的理解
我注意到很多人發來的片子都很類似，讓人看了之后就了解了中國商業人像的大概，大致的問題是姿態矯情造作，人物表情麻木，整個照片是一個平面，看不出任何的透視關系。總體來說我認為關鍵問題是攝影師本身的素質不高，表現在幾個方面：
第一，對于攝影本身缺乏理解，他們本身都不知道那種照片是美的，也領悟不到攝影語言的魅力，壓根談不上能被哪張照片感染，更不會使用攝影的語言來創作了。
第二，攝影技術和感覺的缺乏，感覺和技術完全是兩碼事。我歷來也是重感覺輕技術的，但是技術絕對是保障，保障一個攝影師傳達自己感覺的手段，但是很多人每天拍照都不知道相機成像的原理，不知道光圈和快門組合的關系，都不知道景深怎樣控制，都不知道光的軟硬與色溫，這樣會極大的限制一個攝影師的成長。
至于感覺，說起來話就長了，我覺得一個攝影師必須具備的素質是敏銳和敏感，有洞察力，可以短時間內判斷一個人是什么性格，適合怎樣的手法和角度拍攝，這些素質絕對不是一天練就的，要靠平時的日積月累，不斷總結和感悟。
第三，缺乏文化底蘊和生活積累，我沒見哪個攝影大師是淺薄的沒有多少生活經歷的，攝影是一門綜合的藝術門類，需要有深厚的文化底蘊和見解來支撐，一個沒有文化的攝影師不可能拍出有文化的作品，一個缺乏對生活理解的攝影師不能拍出很生活的照片，一個沒有個性的攝影師也不可能拍出有個性的圖片。
道理很簡單，先要有理解和想法，沒有了理解和想法拍的是什么呢？現在看很多圖片就能看到，只是單純為拍而拍，沒有任何的想法，更談不上什么對模特本身的理解了。
再說一下我對照片好與壞的鑒賞，這個是見仁見智的問題，我的觀點是能感染我的作品就是好作品，即使技術上有什么不成熟甚至缺陷。
那我覺得最有感染力的照片是那種有著深刻的情感的照片，其實不是照片本身而是照片透露出的那種情感在感染著我。所以我拍的照片都力爭注入我對模特的理解和她本身散發出來的情緒。其實這也是攝影本身的真諦，攝影不僅僅是記錄，也是表達。
5.如何真正理解攝影藝術
藝術攝影并不是簡單地再現一個真實的場景、一個逼真的人像。
它是作者運用各種手段，用相機的工具、照片的載體形成的一幅富有攝影者個性、體現攝影者某種審美思想、能夠給人帶來強烈的審美感受的獨一無二的圖片。它既是構圖、用光、影調、色彩等基本視覺要素的具體表現，又是攝影者綜合藝術素養的結晶。
而它的基本藝術要素與綜合藝術素養，又與繪畫具有很大的相似性。不同的只是繪畫用畫筆顏料去表現，攝影用光影去展示。
正因為攝影與繪畫有著較多的共性，所以繪畫當中的諸多視覺表現規律都與攝影相通。 因此，欣賞一幅攝影作品，首先，要看它的整體構圖布局。
6.如何理解當代攝影
1.攝影師應該怎樣定位自己的身份？你怎么看待你和攝影的關系，怎么看待你與題材的關系？怎么看待你在傳播中的位置？尤其在一個喧囂的消費型社會里，在各種名利的誘惑下，這都是相當關鍵的問題。它決定著你攝影生涯的長度，決定著你攝影思想的深度。我感覺現在有很多攝影師太關注自己作為攝影師的身份，并且把這個身份毫不猶豫地置于上述所有這一切之前。結果就是，攝影本身、攝影的題材、攝影的傳播，不過是攝影師為了個人名利而制造的“噱頭”。這種以自我為中心決定了他的攝影實際上是脫離社會、脫離攝影的。他們不會用心去理解攝影、理解社會、理解攝影如何通過傳播連結和影響受眾。他們采取的是“效益”手段——以盡可能少的成本，獲取盡可能大的效益，投機取巧而罔顧思想的尊嚴、攝影的尊嚴。到了什么程度呢？大家看看這些標題就知道了。本屆的主題“在路上”一確定，許多人就把標題取成了這樣：群眾體育在路上、深圳到濟南的路上、農民工在路上、股民投資在路上……離攝影很遠、離現實很遠。我感覺，真正嚴肅的攝影家一定是躲在事實身后，躲在影像身后，慎于思而敏于行，不怎么把“自己”太當回事兒的人。
2.攝影是什么？其他老師都在講“徐肖冰杯”應該擴大參賽面，門戶要開大一點，要國際化。這些意見都非常好，而這些問題無一例外地指向了同一個問題：我們怎么理解當代攝影。
首屆“徐肖冰杯”，組織方設了兩個類別，一個是紀錄、一個是藝術。但這一次我們經過商討，決定取消這種分類。這同樣是基于對當代攝影的認識基礎上做出的判斷。
實際上到了當代，紀實、藝術，以及其他，都走到一起去了。藝術家徐冰說過：我就知道好的東西就是要人命的東西。那些直見性命的東西，不管你用什么方式呈現，都是好的藝術作品。攝影的技術性、融合性、開放性和民主性，決定了它在這個方向上一定大有作為。真正有力量的攝影就是要關注當下的問題、關注當下的趨勢、關注當下人的生活、關注當下人的命運。真正好的攝影通常是公共主題的個人化、個性化表達。但參加評選的這么多作品中，究竟有多少具備這個特點？比如那些花、草、老街什么的，究竟與當下有多少關系？與個人和個性有什么關系？
3.照片應該是什么？一張照片應該是思想的結果、是攝影呈現方式的結果。從這樣的角度衡量，我很不樂觀：大部分人還是不會拍照片。這次入選的反映渤海灣污染的一組照片，作者是山東的，你就覺得他很滿足于“走”這個行為本身，而對于在這個過程中怎么拍一張有穿透力的照片，卻想得不充分——好多照片都是這種問題，本末倒置。
一組照片又是什么？這關涉圖片編輯、關涉視覺傳播。我們看到，圖片編輯真的很愁人，這同樣是個老問題，但它一定是阻礙攝影發展的關鍵性因素，因為視覺邏輯混亂的組照沒有辦法流暢傳達它所承載的信息和思想。如果下一次再辦“徐肖冰杯”青年攝影師工作坊，我們不妨考慮專門做一個圖片編輯的工作坊。圖片編輯的實操性是非常強的，許多技術細節的學習在課堂上是解決不了的，必須在實際操作中解決，所謂“learning by doing”。
4.我們要高度警惕偽視覺。最近一段時間，有的人言之鑿鑿地宣稱什么什么過時了，仿佛中國攝影真的就與經歷了上百年的試驗與探索的西方藝術一樣，已經脫開現代主義時期，進入到后現代主義。我想這是不顧中國藝術發展現狀的妄斷，我們從意識到操作，差距還是相當明顯的，許多課需要補。即使現代主義的藝術理念過時了，但現代主義藝術時期所集結的智慧與創造、想象力與方法，各門類藝術的純化與邊界、各種藝術手段的清晰分野，也不會過時，而且永遠都不會過時。
同時，也有一些人不斷在說“攝影本體”，但聽上去更像是一種不嚴肅的語言噱頭。攝影自成語法，但攝影怎么就自成語法了，我們的研究還相當欠缺。作為一門視覺藝術，攝影有它自身的語素和語言方式。對其他門類藝術的語素與語言方式不是不能借用，但不能把其他藝術的語言符號與言說邏輯當成攝影的。比方說，在參賽的作品中有很多是把兩張照片并置組合的。這是文學的敘事性方式，不是攝影的方式。同樣，那些試圖用文字——標語、漢字——打動你的，也屬于另一套語言，也是一種偽視覺表達。