華閱文章網1.任選一件你喜歡的中國古代青銅器,填寫一份簡短的美術欣賞報告
司母戊方鼎：
因它是當時最重要的禮器，所以，器形莊嚴厚重，鼎身呈長方形，口沿很厚，輪廓方直，顯現出不可動搖的氣勢。司母戊鼎立耳、方腹、四足中空，除鼎身四面中央是無紋飾的長方形素面外，其余各處皆有紋飾。在細密的云雷紋之上，各部分主紋飾各具形態。鼎身四面在方形素面周圍以饕餮作為主要紋飾，四面交接處，則飾以扉棱，扉棱之上為牛首，下為饕餮。鼎耳外廓有兩只猛虎，虎口相對，中含人頭。耳側以魚紋為飾。四只鼎足的紋飾也匠心獨具，在三道弦紋之上各施以獸面。司母戊方鼎充滿神秘的色彩，體現了商代奴隸主貴族的無上權威。
2.大學美術欣賞論文2000字
這個是一個學生的論文，交的時候把文中提到的幾幅畫打印出來了
線，或稱線條，是一種存在于現實生活或者美術作品中的視覺形態要素，由于它們往往是和形、體、色、光等視覺翌累同時并存的，所以，造型觀念中的線，往往和視覺上的概括提煉與抽象相聯系，然而這些能力的形成，又必須通過美術欣賞和美術創造的實踐去訓練。如何加深對“線”的概念的認識并在實踐中藝術地去運用，是中學美術教學的重要環節。
一、欣賞以線造型的中外美術作品，提高學生對“線”這一藝術形式的審美能力。
線條是美術最基本的造型手段，是構成視覺藝術形象的一種基本因素，無論平面的還是立體的作品；不論是寫實，還是裝飾；不論是抽象的，還是具象的……在長期的美術發展過程中.“線”作為美術家創造形象和表達自己思想感情的藝術語言，一直處于十分重要的地位，并越來越顯示出豐富的表現力及藝術美感。中國著名繪畫大師吳冠中的《山水》一畫，皴染不多，主要以毛筆線條勾勒，但其中線條流暢自由，輕重虛實的變化，隨意性較強，具有濃厚的抒情意味和鮮明的時代感。法國后期野獸派大師勻蒂斯的《紅沙發上的注女》（油畫）以簡潔概括、富子感情色而又極富裝飾件的線，極為和諧、簡練地勾畫出一個呼之欲出的少女形象。
二、重點強調中國傳統美術中線的作用。
中國畫的線，可以追溯到仰韶時代的彩繪畫，晚周帛畫，楚器漆畫和漢唐壁畫。仰韶文化的彩陶紋樣。是中國最早用線的作品，鮮明、生動、挺拔的線條，描繪了漩蝸紋、弦紋以及人的面形、蟲魚、鳥獸等形象，體現了原始藝術樸素、稚拙的美。唐宋以來，隨著人物畫創作的興盛，線描藝術發展到廠一個高潮。吳道子是唐代的線描大師，人們稱吳氏的線條為“吳帶當風”，他畫中的人物，衣袖飄動，生動異常，體現了高度的“運動感”和“節奏感”，充分發揮了線描藝術的效果。南宋畫家梁楷的《元祖斫竹圖》是一幅“寫意”線描的人物畫，畫中人物元祖為佛教禪宗六世祖慧能.畫家用寥寥數筆，把一個正在勞動中的老翁刻畫得十分生動，中國畫家經過長期的藝術實踐，從“文人畫”“院體畫”到民間畫，對線的運用各具風采（在表現物象的同時，還傳達出入的情緒），傳統技法——十八描，即是各種線的生動畫法。
三、東西方繪畫用線的異同。
由于受不同文化背景的影響，東西方繪畫的線在形式美感上各不相同：東方繪畫中的線注重表現情感，富于韻律感和裝飾美；西方繪畫中的線具有較強的理性特征，不能把這兩者對立起來，應該指出線造型在東西方美術作品中是相通的，同樣具有豐富的表現力和多彩的藝術美盛，只是由于欣賞習慣，繪畫造型的傳統觀念的差異，形成了不同的表現方法和民族風格。從具體的作品來分析，東西方繪畫線的表現特點又往往交織在一起，如二十世紀初法國的馬蒂斯的作品就證明了這一點。他的作品既有西方繪畫的優良傳統，又吸收了東方藝術的特點，給人一種新的美感享受。在我國，隨著中西文化的不斷融合，中國傳統美術有廠新的發展和變化，特別是近十幾年來，這一點更加突出，如：吳謚械淖髕吩諳叩運用上有新意，線的節奏和韻律美十分強烈和鮮明。對中外美術作品的優良傳統，都應認真研究繼承，在學好我國傳統繪畫課的基礎上，還需了解西方美術。“西為中用用”，使我們民族的繪畫藝術具有當代性和世界性。
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3.求一篇關于美術欣賞的論文
齊白石作品收藏與鑒賞
論及近現代中國繪畫，假如讓您只說出一個人的名字作為代表，筆者
想人們都會不約而同地想到一個人，那就是——齊白石。
曾幾何時，中國藝術品市場十年來的發生、發展，幾乎就是以齊白石的
作品為先導的。從嘉德楊永德收藏齊白石作品拍賣專場的滑鐵盧到2003年
中貿圣佳白石山水冊頁1650萬元的天價成交，齊白石的作品像是一架天
平，衡量導引著中國近現代畫作的市場走勢，也標榜著收藏家與投資人的
趣味和取向一直沒有離開這位集書法、篆刻、繪畫、詩歌為一身的通才、大
才。因為他是齊白石，也只有齊白石才會有著如此大的感召力，而這種感召
力之大正是基于白石老人藝術創作的偉大。這種偉大是一種至“簡”至
“樸”、至“拙”至“厚”的，尤其是他的山水畫，構圖出奇出新，無常法而又合
法，貌似平淡的筆調，大氣磅礴、純凈明麗。在似與不似之間，把山水靈性的
本質，或輕或重、或明或暗地表現出來，大開大合中又見細膩、樸素的善良
與樂觀的堅強。在白石老人的山水畫中，每一筆似乎都含著家鄉的泥土氣
息，每一根線條似乎都凝結著大自然的露珠，清新而華滋、深厚而通俗。
白石老人的書法之好，在中國近現代畫家中是少有的，好得讓我再看
白石以后“畫家”們的字款簡直不好恭維。白石老人專臨“爨龍顏碑”，后學
“鄭文石碑”，五出五歸后又學李北海、何紹基、金農和“天發神讖碑”。他的
繪畫成就如此之高是與他的書法水平高密不可分的。古往今來，大畫家沒
有一個不是大書家，董其昌、八大山人、齊白石無不是這樣的人物。
他的字，氣魄雄強而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使長鋒，故可以充分
利用筆鋒吸水墨多的特點，氣貫而神完，一氣呵成。由于有好的書法根底，
在白石老人的作品中，幾乎沒有經不住推敲的線條，他的線條質量表現在：
綿而挺。“棉里裹針”、細中寓柔、柔中見剛。
潤而滿。不滯、不滑，骨力洞達卻將霸悍之氣藏于水墨之間不露痕跡。
雄而強。他的字款在所有的轉折處都是留得住筆、留得住墨的，特別是他書
法線條的過渡，如錐畫沙般的筆鋒似乎能把紙切開。他的飛白也極有個人
氣質，特別是他的“撩筆”，峭拔中雖然略帶習氣。
論及齊白石對近現代中國繪畫的貢獻，半個世紀以來，無論是美術史
學界的專家，還是畫家、收藏家，甚至普通的百姓，齊白石的藝術成就是公
認的。齊白石就像一座高峰，就像一把標尺，他的繪畫是中國畫筆墨情趣的
絕對體現，更是中國文人繪畫近現代的高峰。他的繪畫在走進市場后，更是
當今中國藝術市場的晴雨表、風向標。
這樣可以么？
4.選一件古希臘的雕塑作品,寫美術欣賞報告
《薩莫色雷斯的勝利女神》大理石。高328厘米。創作于公元前190年。現藏法國巴黎羅浮館。這件作品與《米洛斯的維納斯》一樣，也是羅浮宮中最珍貴的藏品之一，它創作于希臘化時期，而且與維納斯一樣，整件作品散發著濃烈的古典氣息。
作品賞析
從作品的整體氣勢上看，《薩莫色雷斯的勝利女神》的視覺效果極有沖擊力，充滿著強烈的表現力。任何人只要一看見這件作品，都會感受到女神動態傳達出的那股昂揚氣勢，那種無可阻擋的感人力量，無疑這是勝利和無敵的形象化的外在體現。在整個希臘雕塑中，很少見到如此洋溢著動感和生氣的形象，作品因而顯得彌足珍貴。
古典時期另一件很不錯的派奧尼奧斯的《勝利女神》，雖然也頗為生動活潑，但與這件杰作一比，在氣勢和整個動態上就顯得弱了許多，遠沒有像這件作品這么淋漓盡致地展現出勝利女神的氣勢和精神。
能夠有這樣的視覺效果，很大程度是依靠女神形體向上升騰的前傾姿勢，以及那對高揚舒展的巨翼來體現的。無論從正面還是從側面看，勝利女神的肢體、衣紋等曲線，全都具有一種向前、向上運動的節奏，從而生動地創造出一種無法抑制的、奇妙的升騰感。
這尊雕像的衣飾，隨著迎面吹來的海風緊貼在女神的身上。衣角向后飄起，極為細膩流暢的線條，讓人仿佛能感覺到女神豐滿而富有彈性的肌膚。作品的構圖也十分成功，向后飄揚的衣角和展開的雙翅構成了極其流暢的線條，腿和雙翼的波浪線則構成一個鈍角三角形，加強了前進的態勢。
歷史背景
薩莫色雷斯是愛琴海東北部的一個希臘島嶼。大約在公元前190年，為紀念塞浦路斯海戰的勝利，羅得島的雕塑家創作了這尊勝利女神像，把它豎立在該島上，《薩莫色雷斯的勝利女神》便由此得名。
勝利女神像許多傳說中的人物形象一樣，有其自身的形態特征，最顯著的是她身體上帶著有羽翼，這件作品中，羽翼尚在，遺憾的是在被發現的時候，女神的頭和手臂已經沒有了。
價值判斷
藝術家在作品中表現出了極高的藝術技巧和表現力，他仿佛賦予了冰冷的石頭以生命般勃勃的活力，令后人在面對這部高度現實主義和浪漫主義結合的杰作時不禁發出由衷的慨嘆。這尊雕像是如此地引人注目，以至于收藏者巴黎盧浮宮將它與雕塑《米洛斯的阿芙洛蒂忒》和達·芬奇的名畫《蒙娜麗莎》并稱為盧浮宮的“三寶”。
5.高一美術鑒賞總結400字
從不了解美術，到懂得欣賞美術；從無視美的存在，到學會發現美；從對美術不感興趣，到喜歡上美術，這就是這學期學習美術鑒賞課的最大收獲。美術欣賞課將我帶到了一個全新的世界，帶到了一個我以前從未涉足過的領域，帶到了藝術的殿堂，我可以說出那些美麗的作品的故事，它讓我發現原來世界是這么美，原來一個人的思想可以這樣表達，原來先代們是那么的智慧。正如老師所說的，每個專業的學生，每個人都離不開美術，都應該有懂得美和欣賞美的意識。
從先民們樸素而不成熟的美的作品到現代人獨特的表達思想的繪畫方式，中間的發展過程是豐富和復雜的。從稚嫩的遠古美到沉雄博大的秦漢藝術，到文人登場的魏晉南北朝，到雄渾壯麗的隋唐氣象，從繼往開來的五代到宋元意象，到畫派林立的明清，再到新舊交替的中西交融，最后到個性十足的現代，每個時期都呈現出獨特的繪畫特點，都留下了一批優秀的畫作，讓后人去贊嘆。
在所有的繪畫形式上我最喜歡宋元的文人畫，它用簡單的筆墨，在似與不似之間塑造形象，寥寥數筆就勾勒出了心中的感慨，勾勒出了意境。忘記是哪位畫家說過的，“西方靜物畫，畫的是死的；中國畫，畫的是活的，傳神的。”雖然西方畫中光與影的完美運用刺激了我的感官，但是我更喜歡中國畫，更喜歡中國畫中傳達情感與意蘊的畫，如《韓熙載夜宴圖》、梁楷的《潑墨仙人圖》、張大千《蛙聲十里出山泉》。其實要我說出最喜歡哪幅作品，我難以回答，因為這些作品不是哪幅能概括的了的，應該是哪些吧。
今年五一我有幸去了文化古城西安，這座曾是十三朝古都的城市，現在看來依然蘊含著深厚的文化底蘊。在我進入陜西歷史博物館，看到那些文物，我心中無比興奮，仔細欣賞那些美麗的藝術品，揣摩它們的歷史，我更深刻地理解了老師在課堂上講的美術知識。當我看到兵馬俑的雄渾壯麗，我終于體會到了歷史書上對于秦朝的描述。讀萬卷書，行萬里路，此言不虛也！
在這門課上我認識了很多擁有美麗的人，我了解了他們的故事，記住了他們的名字，我覺得這也是美術鑒賞課想要達到的目標吧。美術和其他藝術形式是相通的，在學會欣賞美術之后，也就開啟了欣賞音樂、欣賞舞蹈等的大門了，因為你擁有了欣賞美的心。
藝術是美的享受，它值得我們去傾盡全力為之癡迷。每個人都可以使藝術家，只要你有表達自己的欲望和方法
6.求一篇美術鑒賞的小論文
其它主要參考書目： 1、《美術史的觀念》邵宏 著 中國美術學院出版社 2、《自我的迷宮》顧錚 著 山東畫報出版社2003年版 3、《黃昏后的契機——后現代主義》『英』奧頓奈爾 著 王萍麗 譯 北京大學出版社2004年版 4、《文藝學美學方法論》胡經之 王岳川 主編 北京大學出版社1994年版 5、《藝術鑒賞講座》『美』勞麗?S?亞當斯 著 時易 譯 上海人民美術出版社2004年版 6、《Self-Portrait With a Bandaged Ear, Van Gogh》Jonathan . 凡·高自畫像的美學分析 20世紀的藝術史研究，處在一個方法不斷變革的文化語境中，一件藝術作品歷久彌新，不但需要它自身具有藝術價值，也在于能夠有不同的解讀方法賦予它以豐富的意義差異。
這種差異彼此之間不是互相否定和排斥的，而是相互補充和參照，形成一個召喚思想的整體。當然，藝術多元化特征自身性質也決定了這一點。
當代藝術史家從各種不同的角度、不同的領域對藝術進行多層次多維度的研究，其中比較著名的藝術史分析方法有：形式主義美學分析法、圖像學方法、結構主義和解構主義（后結構主義）分析法、新馬克思主義分析法和精神分析學方法等等。這些新方法層出不窮，日新月異，大有“亂花漸欲迷人眼”之勢。
不過，方法論本身并不具有本體意義，人們是要通過新的方法抵達被遮蔽的藝術本體，揭示藝術本體的深層內涵，從而展示出人本然的處境和存在的意義。 誠然，要洞悉一件藝術品的藝術本體，還需要創作者和觀者擁有一定的獨創性認識，這依賴于他們的學識和美學修養，它可以反映一個人的社會、政治、經濟甚至性的觀念。
此外，觀者觀賞一件美術作品的時間和空間，也是解讀一件藝術品的重要參照。本文試圖借助于一些藝術史分析方法，考察荷蘭畫家文森特?凡 ?高（Vincent van Gogh,1853-1890）自畫像藝術本體的意義和解讀無限的可能。
凡?高，19世紀后期印象主義代表性畫家，他從1886年至1890年藝術成熟期自畫像作品多達四十幾件，這在自畫像藝術史上無疑是突出的，同時，也因凡?高對現代藝術產生的重大影響和受到現代社會的普遍關注。因此選取這一題材作為參照具有一定的價值。
形式主義分析法 形式主義分析者他們認為，形象出自線條、形態和色彩上觀察到的一點，再進一步講，是出自線條、形態和色彩排列的美學效果。 【圖1：《戴草帽的自畫像》，木版油畫，40.5*32.5cm ,1887年夏于巴黎，阿姆斯特丹凡?高博物館藏。
Self- portrait with Straw Hat,Oil on cardboard 40.5*32.5cm Paris summer 1887,Amsterdam Van Gogh Museum】 如圖，是一張凡?高1887年《戴草帽的自畫像》，用這種觀念來分析凡?高的這幅自畫像時，我們就能注意到：整幅畫面都是明亮的黃色，純色面積較大，無論人物和背景，黃色是基本的色調，畫家用明確的紅色線條勾勒出人像的輪廓，人像旁用粗略且不規則的藍色短線條交代出背景。即有一定的視覺真實感，又有很強烈的平面效果。
凡?高說：“我始終固定一個位置作畫，注意掌握畫中最本質的東西，然后在輪廓線所限定的每塊空白處填滿色彩。不管它是否表達了什么，反正是能感覺到的色彩，也是簡化了的色彩。”
1這段話反映了凡?高對線條和色彩的個性化理解，同時，也傳達了他創造的視覺語言的獨特特征。畫布上生動的描繪，依賴的是凡?高完全個性的、熱情的和濃厚的色彩和堅定的線條，畫家有力的眼神表達了他創作過程中強烈的自信心。
另外，他熱衷于自然光的表現，正說明了那個時代畫家們對室外陽光真實性表現的探求。 誠然，凡?高自畫像本身色彩和線條構成的美學效果就足以有意味深長的感染力。
但是一件成功的藝術品應在形式和意味兩方面給人留下深刻印象。所以，圖像學分析方法凸現重要。
圖像學分析法 圖像學方法涉及到內容和主題的含義。研究圖像學方法的代表人物帕諾夫斯基認為內容對藝術作品的含義具有決定性的意義。
一件藝術作品之所以能夠打動人——就像凡?高的自畫像一樣，主要取決于作品給人在形式和內容兩個方面給人留下深刻印象。相比較而言，人們對具象作品的解讀通常采用這種方法。
比如，肖像畫創作的構思階段，往往藝術家先接受定件或者尋找模特，然后設計構圖和色彩，并在結合模特自身的個性基礎上創作出藝術形象。這樣創作完成的作品一定體現出藝術家個人化的藝術語言、模特獨特的身份和個性或兩者兼而有之。
后來的鑒賞者和藝術史家據此寫下一段段解讀的文字和關于創作此件作品的敘事。勿庸置疑，這時的作品就有了更為寬泛的蘊涵，人們能夠把它放到整個文化史中討論，也就是說此時的“凡?高自畫像”就有了美學史和文化史的雙重意味。
我們可以在藝術史中尋找有關“自畫像”的信息并作此項研究。當然，這是一項復雜的任務，不是短小的篇幅所能解決的，需要更深入專門的研究。
這里僅以凡?高自畫像題材主題為著眼點談談形式背后的內容含義。 19世紀后期，活躍于巴黎的革新藝術家們，他們與現實社會是矛盾的，是精神上的孤獨者。
在印象主義擺脫了對文學、歷史、題材和技法的依賴后，也拋棄了傳統的繪畫思想，探索繪畫自身獨立的價值。“繪畫就。
7.大學美術欣賞論文2000字
這個是一個學生的論文，交的時候把文中提到的幾幅畫打印出來了
線，或稱線條，是一種存在于現實生活或者美術作品中的視覺形態要素，由于它們往往是和形、體、色、光等視覺翌累同時并存的，所以，造型觀念中的線，往往和視覺上的概括提煉與抽象相聯系，然而這些能力的形成，又必須通過美術欣賞和美術創造的實踐去訓練。如何加深對“線”的概念的認識并在實踐中藝術地去運用，是中學美術教學的重要環節。
一、欣賞以線造型的中外美術作品，提高學生對“線”這一藝術形式的審美能力。
線條是美術最基本的造型手段，是構成視覺藝術形象的一種基本因素，無論平面的還是立體的作品；不論是寫實，還是裝飾；不論是抽象的，還是具象的……在長期的美術發展過程中.“線”作為美術家創造形象和表達自己思想感情的藝術語言，一直處于十分重要的地位，并越來越顯示出豐富的表現力及藝術美感。中國著名繪畫大師吳冠中的《山水》一畫，皴染不多，主要以毛筆線條勾勒，但其中線條流暢自由，輕重虛實的變化，隨意性較強，具有濃厚的抒情意味和鮮明的時代感。法國后期野獸派大師勻蒂斯的《紅沙發上的注女》（油畫）以簡潔概括、富子感情色而又極富裝飾件的線，極為和諧、簡練地勾畫出一個呼之欲出的少女形象。
二、重點強調中國傳統美術中線的作用。
中國畫的線，可以追溯到仰韶時代的彩繪畫，晚周帛畫，楚器漆畫和漢唐壁畫。仰韶文化的彩陶紋樣。是中國最早用線的作品，鮮明、生動、挺拔的線條，描繪了漩蝸紋、弦紋以及人的面形、蟲魚、鳥獸等形象，體現了原始藝術樸素、稚拙的美。唐宋以來，隨著人物畫創作的興盛，線描藝術發展到廠一個高潮。吳道子是唐代的線描大師，人們稱吳氏的線條為“吳帶當風”，他畫中的人物，衣袖飄動，生動異常，體現了高度的“運動感”和“節奏感”，充分發揮了線描藝術的效果。南宋畫家梁楷的《元祖斫竹圖》是一幅“寫意”線描的人物畫，畫中人物元祖為佛教禪宗六世祖慧能.畫家用寥寥數筆，把一個正在勞動中的老翁刻畫得十分生動，中國畫家經過長期的藝術實踐，從“文人畫”“院體畫”到民間畫，對線的運用各具風采（在表現物象的同時，還傳達出入的情緒），傳統技法——十八描，即是各種線的生動畫法。
三、東西方繪畫用線的異同。
由于受不同文化背景的影響，東西方繪畫的線在形式美感上各不相同：東方繪畫中的線注重表現情感，富于韻律感和裝飾美；西方繪畫中的線具有較強的理性特征，不能把這兩者對立起來，應該指出線造型在東西方美術作品中是相通的，同樣具有豐富的表現力和多彩的藝術美盛，只是由于欣賞習慣，繪畫造型的傳統觀念的差異，形成了不同的表現方法和民族風格。從具體的作品來分析，東西方繪畫線的表現特點又往往交織在一起，如二十世紀初法國的馬蒂斯的作品就證明了這一點。他的作品既有西方繪畫的優良傳統，又吸收了東方藝術的特點，給人一種新的美感享受。在我國，隨著中西文化的不斷融合，中國傳統美術有廠新的發展和變化，特別是近十幾年來，這一點更加突出，如：吳謚械淖髕吩諳叩運用上有新意，線的節奏和韻律美十分強烈和鮮明。對中外美術作品的優良傳統，都應認真研究繼承，在學好我國傳統繪畫課的基礎上，還需了解西方美術。“西為中用用”，使我們民族的繪畫藝術具有當代性和世界性。
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8.求一篇美術鑒賞論文
蒙娜麗莎，這是一個永遠探討不完的問題。
自問世至今，將近五百年，后人不知做過多少品評和揣測，留下越來越多的迷局。當今，世上有研究《蒙娜麗莎》的專著數百部，而有近百名學者將此畫作為終身課題。
時間的推移不會使疑團得到解決，只會隨著研究的深入，將更多的疑惑留給后人。 人們過分地喜愛她。
無止境地探討她那難以覺察的、轉瞬即逝然而亙古不變的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端莊沉穩的姿態，高貴而樸素的裝束，以及無懈可擊的完美構圖。人們驚嘆：列奧納多，惟有列奧納多，上帝一樣的智慧，才能采集那么多美的元素，將眾多美好合為一個完美。
于是，美、智慧、永恒，三位一體，極致的搭配，再無超越的可能。就這樣，蒙娜麗莎帶給人們無限美好的遐想，也給人們無限沉重的壓力。
人們既愿意棲身她的庇蔭，吸取滋潤的營養；又渴望走出她的陰影，呼吸自由的空氣。多少年了，無數醉心繪事的人，都為這一重矛盾所困擾。
這是一個神話，它與達·芬奇無關，完全是后人制造的。神話像雪球，隨著時間的推移不斷滾動，無限膨脹，最終連神話的制造者也被吞沒。
如今，蒙娜麗莎坐在盧浮宮一處顯要的位置，隔著厚厚的防彈玻璃，每天以我們熟知的、神秘而永恒的微笑迎候數以萬計的來訪者。這些朝圣般的觀眾心中裝著各式疑問，他們渴望通過這一張溫柔嫻靜的臉龐讀出答案，然而離開時卻將更多的問題帶走。
問題是五花八門，許多與蒙娜麗莎并無關系。有人會問：蒙娜麗莎究竟是畫中人的名字，還是微笑的別稱？畫中人究竟是銀行家喬.貢多的妻子，還是伊薩貝爾王妃？此畫確有真人模特，還是憑想象畫成？畫中人物沒有眉毛，這是當年佛羅倫薩的審美時尚，還是像某人所說，其人正在懷孕，是妊娠反應？畫中人是否剛經歷流產的傷痛，所穿衣裳是喪服？蒙娜麗莎那令人迷惑的表情真的是微笑嗎？難道不是面部麻痹癥造成？蒙娜麗莎到底是男是女？其原型是否就是達.芬奇本人？問題越問越離奇，距離畫本身越來越遙遠，不僅無助于解讀該畫，反而將人不斷引向迷途。
其實，有些問題已經構成了對《蒙娜麗莎》的褻瀆，只是提問者尚未覺察。蒙娜麗莎是男是女，這還用得著問嗎？任何一個對性別有感知的人都不該對此產生疑問，可是有人偏要提出如此荒唐的問題。
有人說蒙娜麗莎給人的感覺是中性的，至少她不會給人產生性的誘惑。試問，難道惟有性感才能構成女性美嗎？如此，一幅肖像畫與一幅色情照片又有多大區別？無疑，蒙娜麗莎是美的，她的美充分體現在人性美上，而不局限于女性特征；或者說，她的美已經超越了性別阻隔，但這并不等于連性別都分辯不出。
對于顯而易見的事實還要發出荒唐的疑問，若不是別有用心也是無聊之極了。面對一幅分明令人愉悅的肖像卻偏要說甚么面部麻痹癥，這簡直令人憤慨。
蒙娜麗莎表情是僵化的嗎？瞬間的表情被定格就說成僵化，那真是荒唐透頂。微笑是難以描述的，專注中不自覺的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略帶嘲諷的微笑，那是每個人不同情緒下的感受，但笑意是毫無疑問的。
至于有人感到蒙娜麗莎的微笑是常人難以企及的，因而斷定此畫不是以真人為模特，而是完全憑想象畫成，這種論斷也純屬多余。人們驚嘆達.芬奇卓越的繪畫技巧：畫中人由面部五官到雙手，再到身體的其他部分，包括衣著穿戴，每一處都那么真實可感，幾乎伸手可及，這是憑空想象無法完成的。
倘若沒有真實人物作參照，達.芬奇縱然有天大的才氣也不可能畫得如此生動細膩。有人要問，畫中人的眼神、她的笑意是那么遙遠和不辯深意，那是其人所獨有的嗎？為什么今人就摹仿不出？其實這樣的問題很好解答。
每一個了解繪畫的人都懂得，肖像畫并不等同于人物原型。一幅好的肖像畫首先要體現作者與表現對象間的互動；畫家將自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融鑄進了畫中人物，這樣觀眾從畫面上讀到的肯定比真實人物要豐富的多。
我們了解了達.芬奇的生平，認識了他在諸多領域的非凡造詣之后，上述問題也就迎刃而解。既如此，那么畫中人究竟是誰的妻子、叫什么名字就不重要了，她是達·芬奇全部藝術才情的匯聚，也是他理想人格的集中體現。
從這個意義上說，她不是任何人的妻子，她是一個超乎常規限定的完美人性。我們可以理解蒙娜麗莎為達.芬奇的精神肖像，但要說是以他本人為模特就顯得太庸俗化了。
有人通過電腦技術將達.芬奇的自畫像與蒙娜麗莎作以對照，發現兩者的基本結構驚人地相似，于是斷定該畫是以他本人為模特。其實這是吹毛求疵。
相似不等于吻合，當然完全吻合是不可能的，正如畫中人與真實人物也非完全相同；然而不同的人總有相似之處，并且相似性是主要的，差異卻是微小的；更何況每一個畫家描繪他人時總會不自覺地把自己的形象帶進畫面，因為畫家對自己最熟悉；這點想來達.芬奇也不會例外。說到這些，其余的問題也就無須解釋了。
如果我們多讀一些畫，多接觸一些畫家，那么不著邊際的問題就不會提出來了。 駁斥了上述一些問題，不是說圍繞《蒙娜麗莎》的研究都是無意義。
作為世界美術史上最具知名度的一件作品，必然會。
9.求美術欣賞類論文一篇,1500字,謝謝
向藝術更進進一步 通過對西方美術史的學習，我可以解決一些藝術方面的問題。
首先是藝術究竟為了什么？ 藝術的性質，古來說者不一，亞理士多德說"藝術是模仿自然"，這話現在已不能完全成立。盡管藝術需用自然的材料借以表現，或者取自然的現象做象征，取自然的形體做描寫的對象，但他決不是一味的模仿自然。
有人說藝術就是"人類的一種創造技能，創造出一種具體的客觀的感覺中的對象，這個對象能引起我們精神界的快樂，并且有悠久的價值"。這是就客觀方面言.。
若就主觀方面，藝術就是藝術家理想情感的具體化，客觀化，即所謂自己表現。所以藝術的目的并不是在實用，乃是在純潔的精神的快樂，藝術的起源并不是理性知識的構造，乃是一個民族精神或一個天才底自然沖動的創作。
他處處表現民族性或個性。藝術創造的能力乃是根于天成，雖能受理性學識的指導與擴充，但不是專由學術所能造成或完滿的。
藝術的源泉是一種極強烈深濃的，不可遏止的情緒，挾著超越尋常的想像能力。這種由人性最深處發生的情感，刺激著那想像能力到不思議的強度，引導著他直覺到普通理性所不能概括的境界，在這一剎那間產生的許多復雜的感想情緒底聯絡組織，便成了一個藝術創作的基礎。
再次是美學與藝術的關系 雨果說過：“沒有藝術，人類生活便會黯然失色。”席勒動情地呼喚過：“啊！人類有你才有藝術。
“人人都神往藝術，向往他那種藝術美的感受，正是如此，人們需要真正的藝術家來創造藝術美。而藝術需要現實生活，需要藝術家的創造，沒有這些又何來藝術美呢？美術中的藝術美，離不開美術作品，藝術美指的就是美術作品中的美，是由創作主體的審美認識而產生的按照美的規律、并為著美的目的而創造的事物的美。
因此，藝術作品的藝術美也是真、善、美的統一。 “任何事物，凡是我們在那里面看得見依照我們的理解就當如此的生活，那就是美的；任何東西，凡是顯示出生活或使我們想起生活的，那就是美的，”。
如果說成“一件事物如果能夠完全表現出該事物的觀念來，它就是美的，”也就是說，“凡是出類拔革的東西，在同類中無與倫比的東西，就是美的。” 這種說法顯然是不準確的。
一件東西必須出類拔萃，方才稱得上美，這是千真萬確的。比方，一座森林可能是美的，但它必須是“好的”森林，樹木高大，矗立而茂密，一句話，一座出色的森林，布滿殘枝斷梗，樹木枯萎、低矮而又疏落的森林是不能算美的。
但并非所有出類拔草的東西都是美的，沼澤在它的同類中愈好，從美學方面來看就愈丑 。 盡管 “美”不完全等于藝術，但藝術必須是“美”，中外美學史和群眾的審美實踐表明，作為意識形態的藝術，雖不是美學的唯一對象，卻是美學的重要的對象，藝術的門類眾多。
但就藝術與生活，創作動機與藝術效果、審美對象與審美主體的關系等方面來說它們之間具著互相一致的共同本質。 還有藝術與科學的問題， 藝術與科學的關系問題是一個古老而年輕的話題，在此，最具說服力的就是西方的文藝復興了.無論是中國古代 “六藝” 之內涵，還是古希臘的“藝術”概念，都深刻體現出藝術與科學技術之間的密切關系。
古希臘人把能夠憑專門知識學會的技能都叫“藝術”，音樂、雕刻、繪畫、詩歌是藝術，手工業、農業、醫藥、騎射、烹調之類也叫藝術。這種藝術與科學技術相統一的“藝術”觀念到歐洲文藝復興時期達到了頂峰，而文藝復興科學、文化、藝術的發展也是人類文明史上最輝煌的時期。
達·芬奇、米開朗基羅、丟勒等不但是藝術家，也是科學家、工程師，他們創造了卓越的藝術作品，同時在科學發展、技術發明上也取得了巨大成就。藝術與科學作為人類文化的兩翼，人們一直在探討它們之間的關系。
愛因斯坦說：“真正的科學和真正的音樂需要同樣的思維過程。”藝術與科學的關系曾經是非常密切的，它們的分離是工業革命前后的事情，這與科學技術的發展和深化，各種職業化行為的出現有著密切關系。
但二者的有機結合對藝術和科學的發展是大有益處的，文藝復興時期的科學文化成就，就是藝術與科學相互融合共同發展的最佳體現，可見藝術與科學是息息相通的， 以上的三點是我由這期課而產生的一點思考和收獲，當然其實遠不止這些，但重要的還是可以用理論知識回答和解決一些實際生活中的問題。 總之，對西方美術史的學習使我的知識面更加開闊，所了解的東西更多了 一、美術欣賞教學的特征 許多教師有這樣的體會，欣賞教學難于藝術實踐教學，而現代作品欣賞則更難。
這也許因為在欣賞傳統的再現性作品時，有關史料和作品內容豐富了教學內容，符合了學生追求現實意識和經驗的需求，故而造成一種課堂秩序和教學效果良好的假象。而現代表現性作品欣賞的著眼點不能直接為日常意識所接受，學生一時無法超出現實經驗和欣賞習慣的閾限，因而使教學發生了困難。
對“有意味的形式”的感知和體驗并不是日常意識和習慣所能企及的，審美意識的形成需要有個學習的過程。這并不是說對再現性作品的欣賞不是一種審美意識的活動，但一個不具有較強審美意識的人，往往能欣賞前者而不能欣賞后者。
10.求一片2000字的美術鑒賞論文
新課程改革下試談高中美術鑒賞 眾所周知，審美教育是學生全面發展教育中不可缺少的組成部分。
羅克韋爾 肯特曾說過："藝術的最高目的，就是使人們更深地懂得生活，進而更加熱愛生活。 馬克思曾引用黑格爾設想的一個生動比喻，來說明人類在創造活動中實現其本質力量叫產生的愉悅：一個小男孩，將一塊石子投入水中，他看到水的漣漪不斷變大，他欣賞自己的創造，從中得到無比的欣喜……。
而到了高中階段，審美教育更顯示出在素質教育方面的作用，這時的學生從原來的快樂、無拘無束、天真活潑變得沉默、羞澀和嚴肅，他們要尋找一種新的適合表現自我意識的方式，在這個關鍵時刻，我們如果灌輸給他們一種起著心靈感應作用的思想教育---審美教育，就能讓學生在美的享受中接受教育，不知不覺地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。這種教育的特殊效果，是一般道德說教難以達到的。
這個階段學生在生理，心理上已接近成熱，是準備走向獨立生活的時刻，他們的自信、自尊都在增強，他們有自己獨立的思考能力，而接觸面也更加廣泛，他們求知欲強烈，學校教師傳授的知識已不能滿足他們的需求，他們渴望從各種渠道接受新觀念，接受新知識。在這時，審美教育更能發揮其獨特的作用，其鮮明的形象性和強烈的情感性正是對感情真摯奔放，形象思維極強的青少年作用是最大的。
高中美術鑒賞有助于提高學生的整體美術素養，培養審美能力和理解力，有助于發展學生的創造力和想象力，符合素質教育的根本要求。縱觀當前的美術教學，已貫穿從小學至大學全過程中。
而高中學美術鑒賞教學，作為培養學生素質，必須與學生的年齡特點相結合，掌握學生鑒賞習慣和鑒賞特征。面對一幅繪畫作品，該如何鑒賞？這是每一個人都會在心里問的一個問題。
在美術界，這也是一個值得探討的，而且是一個未能形成共識的學術問題。美術鑒賞課中的常見誤區：（一）“專業課”型的失誤 在美術作品分析中，關于繪畫作品中的構圖、造型、色彩、筆觸、肌理這些繪畫專業語言。
有些教師一講到構圖就必談“三角形、S形”，一講到色彩就必然分析“環境色、光源色”，這種“專業課”也許只有美術專業的學生才會聽得懂。而面對著一群沒有受過專業訓練的學生，即使教師分析得頭頭是道，學生也只會聽得云里霧里，索然無味。
（二）“故事會”式的失誤 與此相反，有的教師低估了高中生以自己的眼光分析、鑒賞甚至批評美術作品的能力，在教學過程中對藝術家的生平津津樂道，甚至以一些秘聞軼事來招徠笑聲，嘩眾取寵。分析作品卻三言兩語，一筆帶過。
這種主次不分，不求質量，只求熱鬧的“故事會”式教學只是讓學生走近了作品，而并沒有進行剖析，學生當然無法發表對作品的見解，也無從獲得鑒賞作品的能力。 （三）“標準答案”型的失誤 有些教師在作品分析中往往堅持課本或自己認同的一種觀點，通過不斷的暗示、誘導，使學生拋棄自己的觀點，而步入教師鋪設的標準軌道，這無疑是給作品貼上了標簽，也影響了學生創造能力的培養與發揮。
（四）“模糊區域”型的失誤 與此同時，美術鑒賞課也有一片“模糊區域”，教師在分析諸如抽象作品、意象作品、印象派、后印象派等流派作品時往往束手無策。用什么方法來構建通向這些作品的橋梁呢？是美術史為這些風格流派所下的概念定義，還是課本上簡單籠統的描述？是藝術家生平中的怪異舉止，還是拍賣行中創下的驚人天價？這些都需要教師深入思考才能做出正確的選擇。
作為一名美術教育工作者，我也是常常思考著這些問題，結合自己的教學實踐，在這里談一下自己的思考。 一、精心備課，教好“美術鑒賞” 教師不僅要備好課，寫好教案，還要備好課前的材料，如恰當的實物、圖片、音像資料、新聞、典故等等。
這些應在課前做好充分的準備，增加鑒賞內容的趣味性，充實課堂內容。 同時，課堂指揮技巧、語言技巧和設計技巧都很重要。
教師對教材作品還要事先分析：哪些做重點分析鑒賞、哪些點到為止，哪些干脆讓學生閱讀鑒賞或課后自查資料鑒賞，以此設計教學，美術鑒賞課教學就不會千篇一律。教師對于搜集到的美術鑒賞作品事先選好題材內容。
鑒賞教學應當是體現在如何引導學生發掘每件作品的最突出、最本質、最感人的地方，并能對其做深刻分析，讓學生在剖析中發揮創造和想象，逐漸培養他們的藝術修養和創造性審美能力 二、教師的授課方式應該靈活多樣，以此激發學生的興趣 在實際授課過程中，學生是學習的主體。學生只有在主動參與了學習活動，才能充分發揮自身的主觀能動性，調動自身的創造潛能。
上課時，教師出示鑒賞作品后，教師不要立即講解，可以讓學生讀畫幾分鐘，也可以以討論的形式，再請他們說說自己對作品的第一印象。然后拋出一些思考題，引導學生觀察、思考畫面。
另外，鑒賞與實踐相結合，從中領悟作品內涵。再次，情景創設，從中品味藝術魅力。
優秀的藝術作品，在形式結構背后都蘊含著豐富的感情，或思想，或意蘊，或某種意味等等精神內涵，即意蘊美。在審美直覺刺激了鑒賞者的感覺后，將不滿足于停留在表面的連鎖反應，這時教師應。