華閱文章網詠嘆調（意Aria）是古典歌劇、清唱劇、康塔塔中的主要獨唱曲，男女高、中、低音聲部都可以寫出詠嘆調，一般由樂隊或鍵盤樂器伴奏。
詠嘆調旋律優美流暢，感情內涵豐富，極具抒情性。
但這不等于說非要抒情性的嗓音才可以唱詠嘆調。
就拿女高音來說，花腔女高音、抒情女高音、戲劇女高音等，都有她們自己的詠嘆調。
而深沉、穩重的男低音，同樣有他自己的詠嘆調。
美聲唱法又被比喻為“人聲樂器”演奏，它不僅需要歌唱家的天賦條件，還離不開長期培養、訓練所造就的演唱技術。
而詠嘆調作為美聲唱法的展示與代表，特別注重聲樂技巧的表現力，常被作曲家、歌唱家、歌劇迷視作聲樂技巧的最高境界。
因此，在詠嘆調中，刻意地、過分地炫耀高難度技巧，也是屢見不鮮的，這有點類似器樂協奏曲中的華彩樂段。
在現代學院派的美聲教學中，詠嘆調仍然作為主要的考試科目，來衡量學員的藝術與技術水平。
在歌唱家的獨唱專場演出中，詠嘆調也是最主要的保留曲目。
例如，星海9月12日上演的吳碧霞獨唱音樂會中，最后三首壓臺曲目：美妙時刻即將來臨（莫扎特）、親愛的名字（威爾弟）、我聽到美妙的歌聲（羅西尼），都是歌劇中著名的詠嘆調。
詠嘆調是一種曲式，與歌曲的調性無關。
18世紀意大利流派的詠嘆調一般寫成三段式，即ABA（從頭反復），其中第三段是第一段的反復，但比第一段更燦爛輝煌。
后來，這種結構被打破了，詠嘆調就不再局限于ABA格式。
一位出色的、特邀的歌劇獨唱演員，要比一位出色的器樂演奏員稀奇、珍貴得多。
舉例來說，今世頂級的男高音，數來數去就這幾個手指頭，而頂級的提琴手，卻數不勝數。
象帕瓦洛蒂這種無須太多的訓練，僅靠天賦就能成名的歌唱家，拿得下各個時期不同歌劇中的詠嘆調，據說整個地球100年才出一個。
雖然古典歌劇的觀賞性很強，但聽歌劇是為了聽歌唱家的聲樂表現，更主要的還是聽他們的詠嘆調，而演員的視覺形象往往是不重要的。
樂迷從演出開始等了一幕又一幕，終于盼到了詠嘆調，自然情不自禁。
所以在一部歌劇中，當女（或男）主角的詠嘆調唱完之后，常常可以捧場，包括鼓掌甚至喝彩的。
這一點，與芭蕾中的獨舞、雙人舞有點類似，但與交響樂的樂章中間完全不同。
詠嘆調（aria)大量出現在歌劇和清唱劇中。
歌劇中的詠嘆調一般是主角的獨唱，在一部歌劇里至少有一首，有時也會有兩首。
它的作用就象是戲劇中的“獨白”，表現出人物的特征。
同時它往往是最精彩的唱段，結構完整，需要演員掌握高度的演唱技巧。
還可以拿出來單獨作為音樂會的獨唱節目來演唱。
與之對應的是“宣敘調”（Recitativo)，它是一種“朗誦”式的歌曲，相當于戲劇中的“對白”。
它必須依附于歌劇情節，無法拿出來單獨演唱。
c 還有一種界于兩者之間的“詠敘調”（arioso)，它比起宣敘調來要多一些音樂性。
至于你們問“詠嘆”是什么意思。
它只是個譯法。
aria這個詞本身的意義就是“曲調”，相當于英文的air。
而宣敘調的recitativo倒是有宣敘，敘述的意思。
詠序調的arioso意思是“如詠嘆調般的”。
詠嘆調 詠嘆調是一個聲部或幾個聲部的歌曲，現專指獨唱曲。
詠嘆調（aria）的詞義就是“曲調”，它是在十七世紀末，隨著歌劇的迅速發展，人們不再滿足于宣敘調的平淡，希望有更富于感情色彩的表現形式而產生的。
因此從誕生之初，它就在各方面與宣敘調形成對比，其特征是富于歌唱性（脫離了語言音調）、長于抒發感情（而不是敘述情節）、有講究的伴奏（宣敘調則有時幾乎沒有伴奏或只有簡單的陪襯和弦）和特定的曲式（多為三段式；宣敘調的結構則十分松散）。
此外，詠嘆調的篇幅較大，形式完整，作曲家們英雄有用武之地，還經常給演員留出自由馳騁的空間，讓他們可以表現高難的演唱技巧。
因此，幾乎所有著名的歌劇作品，主角的詠嘆調都是膾炙人口的佳作。
當時，對宣敘調感到乏味的聽眾非常喜愛詠嘆調，以致到18世紀 詠嘆調完全統治了歌劇。
到了現代，情況有了很大的變化。
如在瓦格納的后期歌劇中，不論宣敘調還是詠嘆調，都不像前人的歌劇那樣拘泥形式、嚴格區分；他將兩者融匯貫通，成為聲樂線條，按戲劇情景的需要自由運用。
瓦格納以來的歌劇趨向于大量使用宣敘調，只有極短的經過句用詠嘆調格式；同時，樂隊部分則起到主題延續和展開的作用。
詠嘆調(Aria)既抒情調.這是一種配有伴奏的一個聲部或幾個聲部以優美的旋律表現出演唱者感情的獨唱曲,它可以是歌劇,輕歌劇,神劇,受難曲或清唱劇的一部分,也可以是獨立的音樂會詠嘆調.詠嘆調有許多通用的類型,是為發揮歌唱者的才能并使作品具有對比而設計的。
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